par Bonjour à toutes et tous,
Voici la 19è des œuvres d’art que je vous propose chaque semaine.
Voici une œuvre d’art actuel, de l’artiste américaine Laurie Lipton
Il s’agit d’un dessin aux crayons noirs “mine de plomb”.
Il est de grande dimension : 2,33 m x 1,15 m ; voilà qui est rare.
Son titre ? “En 2013”.
Je vous fournis aussi un détail du dessin artistiquement et techniquement des plus accomplis,
ainsi qu’une photo montrant justement l’artiste en train de le dessiner.
Il est de la main de Laurie Lipton, artiste new-yorkaise née en 1959.
Elle s’est focalisée sur le dessin, où elle excelle,
et représente plus souvent que d’autres des scènes liées à la mort.
Ce n’est pas le cas pour l’œuvre choisie ?
Nous pourrons en reparler si besoin, et si certains veulent voir ou recevoir un exemplaire d’une autre de ses réalisations…
Voici d’ailleurs son site : https://www.laurielipton.com/
Ce grand dessin montre-t-il une critique acerbe ou un acquiescement béat de nos sociétés ?
Et en ce cas, qu’en dit-il ?
À vous de commenter.
Par écrit, même un mot bien court, ceci me permettra d’avoir un retour bienvenu 😉
Portez vous bien.
Admirez, savourez, étudiez…
Amicalement,
Jean-François
Deux documents complémentaires,
1- Une vidéo dont le lien figure sur son site :
https://vimeo.com/channels/premieres/356729842 . Il est éclairant lui aussi.
2- La traduction rapide d’un de ses -longs- entretiens :
Il est impossible de saisir en quelques phrases brèves l’immensité de ce que Laurie Lipton réalise dans son art. Son travail est incroyablement détaillé et
complexe, et rien ne doit être tenu pour acquis: laissez vos yeux passer légèrement sur une robe, par exemple, et vous manquerez que la garniture est
faite de minuscules crânes.
Le dévouement de Lipton au dessin lui a donné des compétences qui, à elles seules, sont des raisons de se réjouir de son travail. Mais cela compromettrait de loin l’impact de son commentaire sans faille sur les complexités de la vie moderne, à la fois dans la société en général et pour les individus.
Laurie Lipton( LL): J’ai toujours poursuivi avec obstination mes passions personnelles, ce qui explique probablement pourquoi mes dessins sont si
étrangement uniques.
Julie Antolick Winters (JAW): Bien que née aux États-Unis, vous avez vécu de nombreuses années à l’étranger avant de vous installer à Los Angeles il y a
quelques années. Y a-t-il quelque chose qui vous a surpris de vivre à nouveau aux États-Unis?
LL: Oui. Je suis parti en 1975 et je suis revenu en 1955. Les choses sont devenues très rétro ici: inverser les droits des femmes, le sectarisme, enseigner le créationnisme dans certaines écoles… c’est comme si j’étais entré dans le temps !
JAW: J’ai été intéressé d’apprendre que vous utilisez des loupes pour certains de vos travaux. Quel (s) outil (s), le cas échéant, avez-vous dans votre
studio qui pourrait surprendre un invité?
LL: J’ai inventé un bâton qui s’accroche sur ma table à dessin pour ne jamais avoir à toucher le papier et à maculer mon travail.
JAW: De manière très générale, il semble y avoir eu une progression dans votre travail de personnel ou interpersonnel – des pièces impliquant la dynamique familiale, par exemple – à une extension à la société dans son ensemble. Que pouvez-vous nous dire sur ce qui a guidé vos choix thématiques?
LL: Je pense que c’est le résultat du vieillissement. Lorsque vous êtes adolescent ou au début de la vingtaine, les problèmes familiaux et l’identité
de soi sont importants. Lorsque votre Soi s’est formé et que vous avez compris qui et ce que vous êtes, la prochaine étape logique est de regarder en dehors de vous-même la société et le monde en général.
JAW: Vous avez créé des images dont vous reconnaissez qu’elles peuvent être difficiles pour certains spectateurs. Il y a certainement beaucoup de douleur
et d’anxiété dans certaines de vos pièces. En raison du temps qu’il vous faut pour créer vos dessins, avez-vous déjà eu du mal à passer ce temps avec
certaines de vos images?
LL: Jamais. Mon imagerie ne m’a jamais dérangé. Mon travail m’amuse énormément.
JAW: Y a-t-il des images, que ce soit dans le travail des autres ou simplement dans la vie, que vous trouvez difficile à supporter?
LL: Je ne supporte pas de regarder des images d’animaux souffrant de quelque manière que ce soit. J’ai ressenti la même chose en tant qu’enfant quand j’ai vu les chevaux se faire «tirer» dans les westerns. Au fait, cela ne m’a jamais dérangé que les cowboys soient abattus. Je suppose que c’est parce que j’ai été acclimaté à voir des gens être torturés et tués au cinéma et à la télévision.
JAW: Parlez-nous de votre préférence pour le noir et blanc par rapport à la couleur dans votre travail.
LL: Oui, je peux peindre (au cas où vous vous poseriez la question), mais la couleur distrait de l’image, et c’est l’image qui est ma principale
préoccupation. Le noir et blanc est la couleur de la mémoire, des fantômes et des anciennes émissions de télévision. Quand j’ai vu les photos en noir et
blanc de Diane Arbus à l’adolescence, j’ai réalisé que c’était ce que je voulais. Ses photos avaient l’air d’un autre monde, figées dans le temps,
dérangeantes. Leur ajouter de la couleur aurait détruit la pression atmosphérique inhérente au noir et blanc. Je voulais l’essence austère et nue
de l’incolore. Je voulais que mon travail se sente hanté.
JAW: Vous avez remarqué qu’à l’époque où vous étiez à l’école d’art, ce qui était en vogue était des éclaboussures abstraites de couleur plutôt que du
travail de représentation. Comment avez-vous fait face au fait d’être à l’école d’art et d’être découragé de poursuivre l’art que vous trouviez significatif?
LL: Heureusement, j’avais des parents qui m’encourageaient quand j’étais enfant, alors quand des professeurs et des étudiants en art m’ont dit que le
travail figuratif «sortait» au Moyen Âge, et que je devais utiliser «le crayon pour le crayon» (c’est-à-dire, il suffit de faire des marques, pas des images)
, j’avais la confiance en moi et la conviction d’ignorer les conseils de chacun et de continuer à suivre ma vision. Je n’ai jamais pris en compte les modes ou les modes dans mon travail, ni essayé de copier quelqu’un d’autre.
J’ai toujours poursuivi avec obstination mes passions personnelles, ce qui explique probablement pourquoi mes dessins sont si étrangement uniques.
JAW: Considérant que vous deviez vous apprendre à dessiner dans le style qui vous a apporté tant de succès, considérez-vous que votre temps à l’école d’art a été utile du tout?
LL: Oui. Cela m’a donné du temps. Je n’ai pas eu à sortir dans le monde froid et cruel et à me soutenir. J’avais accès à la bibliothèque universitaire et
j’étais avec des gens de mon âge qui s’intéressaient aussi à l’art. Ma colocataire de première année est devenue une très chère amie à moi, et elle
habite maintenant en face de moi à West Hollywood.
JAW: Une grande partie de votre travail consiste en des commentaires sociaux, sur des sujets allant de la surconsommation de matériaux et des médias à la politique. Pourtant, je ne suis pas sûr de pouvoir trouver des exemples de votre travail qui soient carrément du côté positif du spectre : ce que nous
faisons bien par opposition à ce que nous faisons mal.
S’agit-il d’un choix délibéré, et si non, qu’est-ce qui explique cela selon vous?
LL: Je dessine uniquement sur les choses qui me concernent. Quand j’étais enfant, je m’asseyais seul pendant des heures et dessinais tous les aspects de
l’école que je détestais, tous les torts que je ressentais, toute la colère et la frustration qui s’emballaient en moi. Cela m’a aidé à faire face et à
comprendre. L’art troublant, qu’il s’agisse de livres, de musique ou d’images, est une tentative de comprendre les épreuves et les tribulations de la vie.
L’art joli, agréable, non conflictuel, «positif» sert aussi un but… mais je ne m’y connecte pas à un niveau profond et je ne souhaite pas perdre mon temps à
le faire.
JAW: Y a-t-il des sujets que vous souhaitiez aborder dans votre travail et que vous avez choisi pour une raison quelconque de ne pas aborder?
Par exemple, vous êtes athée, mais je n’ai connaissance d’aucun élément de la vôtre qui concerne directement la religion.
LL: En fait, j’ai réalisé de nombreuses pièces sur la spiritualité et travaillé plusieurs années pour une bibliothèque privée aux Pays-Bas qui
possède la plus grande collection de livres sur l’alchimie et le mysticisme en Europe.
Cependant… je dessine généralement ce que je veux. Je n’ai jamais été censuré en tant qu’enfant et je n’ai pas tendance à me censurer maintenant en
tant qu’adulte.
JAW: Bien qu’une grande partie de votre travail soit de nature sombre, un humour sournois traverse beaucoup de vos pièces. Est-ce quelque chose que vous visez, ou cela découle-t-il simplement de votre vision du monde?
LL: Je suis une New-Yorkaise et je ne peux pas m’en empêcher. Ma famille riait toujours, même quand les choses devenaient tragiques. Nous avons toujours vu l’absurdité de la vie. Je pense qu’il est sain de ne pas se prendre trop au sérieux. Je suis VRAIMENT en bonne santé, car je ne me prends pas du tout au sérieux.
JAW: À propos de votre retour aux États-Unis, vous avez dit : “Je … pense que c’est une période très intéressante pour être de retour aux États-Unis.
L’Empire est en déclin et je veux essayer d’enregistrer sa descente”.
Parlez-nous de cela: qu’est-ce qui motive cette impulsion? Voyez-vous votre art comme un effort pour réveiller les gens maintenant ou comme un record pour les générations futures?
LL: Je ne suis pas assez vaine pour penser que je peux réveiller les gens ou enseigner aux générations futures. J’essaie simplement de traduire ce que je
vois, pense et ressens et j’essaie de communiquer la «réalité» telle que je la vis.
Qu’est-ce qui motive cette impulsion?
Bonne question. Tout ce que je sais, c’est que je suis poussé à dessiner, que je dessine depuis plus de 50 ans et que j’espère dessiner jusqu’à ce que je quitte (la vie).
L’art a inspiré et changé ma vie.
Si mon travail me dépasse et le fait pour quelqu’un d’autre, ce serait un beau bonus.
Cet entretien a été rédigé par Julie Antolick Winters pour le collectif
Beinart en 2014.
Julie Antolick Winters est une écrivaine et éditrice résidant dans l’État du
Maryland, aux États-Unis, dans une petite ville près de Washington, DC. Julie a
co-écrit l’introduction de Black Magick:
the Art of Chet Zar et a co-copié ce livre et Kris Kuksi: Divination and Illusion pour Beinart Publishing.
Elle mène également des interviews d’artistes pour le Beinart Collective & Gallery
depuis 2010. Outre son travail pour la Beinart Gallery, elle édite des
articles et des livres scientifiques, écrit de la poésie et pratique l’art de
la négociation avec son fils.
Admirer l’œuvre de Laurie Lipton
Petite fille j’étais fascinée par les planches botaniques ou anatomiques réalisées avec une immense précision à l’encre de chine ou avec des crayons à la mine de plomb. Je découvrais ces illustrations dans d’anciens livres oubliés dans les rayons de la bibliothèque municipale. A cette époque, l’ordinateur n’existait pas. Dans le cadre de mon travail, j’ai dessiné, à l’aide de techniques semblables, des coupes d’histologie d’organes d’animaux que j’observais au microscope.
Au Musée Le Vergeur, à Reims, il y avait une riche collection de dessins d’Albrecht Dürer, de Lucas Cranach. Je passais de longs moments à les admirer. Plus tard, j’ai découvert, dans les galeries d’art ou dans les musées, d’autres artistes qui tracent une multitude de lignes avec une patience et une ténacité presque obsessionnelles . Le résultat est magnifique. Je pense aux œuvres de Hans Bellmer, Unica Zürn, Fred Deux, Cécile Reims, et bien d’autres artistes qui exposent régulièrement à la Halle Saint-Pierre à Paris
Je ne connaissais pas le travail de Laurie Lipton. Sa technique de dessin est très originale, extraordinaire. J’aimerais observer, à l’aide d’une loupe, un vrai dessin, afin d’ y découvrir toutes ses subtiles qualités.
Les œuvres de Laurie Lipton m’ont tout de suite interpellée . Elles rejoignent les travaux artistiques que j’apprécie particulièrement, c’est à dire la maîtrise du dessin et les sujets abordés.
En effet, je recherche actuellement des artistes dont le travail est lié à la crise de nos sociétés.Ces artistes veulent rompre avec le passé et se projeter dans le futur. Je crois que l’art, la culture en général, peuvent changer notre vision du monde. Ils peuvent modifier notre façon de penser : vouloir vivre autrement, changer nos valeurs. Quand la société est en crise, les artistes doivent percevoir les changements qui s’opèrent, pour nous offrir une autre vision du monde. La période de crise que nous vivons devrait permettre de questionner le fonctionnement de la société d’aujourd’hui.
Les œuvres de Laurie Lipton ressemblent à une analyse sociologique, anthropologique, politique, nécessaire dans l’ époque que nous vivons Elles anticipent le monde futur de l’ère technologique et ses implications pour l’humanité. Ces tableaux sont comme des «fenêtres ouvertes», à travers lesquelles nous regardons le monde à venir. Laurie Lipton communique ce qui, dans le futur, lui fait peur. Elle nous permet de réfléchir, de réagir.
Ces œuvres surprennent. Elles nous interrogent. Elles peuvent, de ce fait, ébranler notre façon de voir les choses, pour envisager un avenir différent, pourquoi pas meilleur?.
Les œuvres suivantes nous montrent la souffrance d’une société en plein déclin qui conduit à l’ anéantissement, voire à la disparition des être humains.
La société industrielle s’est effondrée pour laisser place à la société digitale. Les êtres sont complètement envahis, enlacés, étouffés par les câbles numériques. image n°1
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Image n°3. La domination du monde numérique commence dès le plus jeune âge . L’enfant est assis, durant toute la journée, devant un écran. Il se transforme en un poupon énorme, aux yeux exorbités . Il sombre dans la folie.
Image n°2 (plus drôle) La femme dans sa cuisine est heureuse . Elle est débarrassée de ses taches ménagères. Il lui suffit d’appuyer sur un bouton, le repas est prêt .
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Les marchés financiers ont complètement dominé le monde. Seul subsistent quelques
personnages qui concentrent toutes les richesses.
Image 4 et 6. Un individu seul, perdu devant la multitudes d’écrans d’un univers numérique, règle le travail de milliers d’hommes transformés en robots. Ils sont tellement broyés par la démesure des machines qu ils sont réduits progressivement à des squelettes ambulants .
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Image n°7. Dans ce monde de l’intelligence artificielle, les êtres ne pensent plus. Ils sont tous identiques, déshumanisés, à l’image des robots qui les entourent. .
Image n°8 dénonce la société de consommation. Les déchets ne laissent plus de place à l’individu. Celui-ci semble s’en accommoder dans une vie dominée par la consultation d’écrans
Image n°9. La communication, l’information, ne passent plus qu’à travers des images. Pour se faire entendre, les journalistes crient, s’égosillent, s’insultent, mais ne s’écoutent absolument plus.
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Laurie signe dans ses tableaux, la fin de l’humanité
Ces images nous conduisent à nous poser de nombreuses questions. Devons-nous accepter de devenir de purs esprits ?
Images n°10-11. Je suis sidérée par la minutie du dessin qui témoigne d’ une patience, d’une ténacité obsessionnelle. Je suis plus indifférente aux portraits qui illustrent la mort. Ils me semblent appartenir à la sciences fiction. Je suis peu sensible à ce genre d’images.
Ces squelettes m’interrogent. Ils sont traités avec humour, habillés dans la mode d’un autre siècle. S’agit-il des ancêtres regrettés ? Exorcise-t-elle un problème à régler avec la mort enfui dans son passé. ? Veut-elle absolument sublimer la mort dans des dessins ? Peut-être ces squelettes représentent-t-ils, simplement pour elle , ce qu il reste de notre humanité ? Peut-être les rend t-elle ridicules, pour ne pas en avoir peur. Peut-être se moque t-elle de tous ces individus qui n’ont pas su réfléchir et agir avant l’effondrement de la société ? Pour moi le mystère reste entier ?
De nombreux artistes comme Zoran Music, Otto Dix et bien d’autres, ont peint des squelettes dont la représentation me touche profondément. Je perçois avec émotion leur message. Zoran Music a vécu l’expérience de l’univers concentrationnaire . Otto Dix a été traumatisé par la première guerre mondiale. L’un et l’autre ont besoin d’exprimer cette horreur . Ils nous interpellent en écrivant « plus jamais çà »
D’autres œuvres de Laurie Lipton montrent de nombreuses poupées belles, intrigantes . Ces dessins sont accompagnés par la représentation de grandes violences. Peut-être l’artiste exprime-t-elle les fantômes de traumatismes, ou les blessures de l’enfance. Ces dessins sont inquiétants et énigmatiques.
Un tableau magnifique représente un personnage montant un escalier. Il faudrait l’étudier sur place . La reproduction ne révèle pas tous les détails qui nous permettraient d’éprouver l’émotion produite par une rêverie d’un monde imaginaire.
Laurie réalise des tableaux d’une beauté époustouflante et dont l’expression ne me laisse pas indifférente .Si son œuvre ouvre la voie d’ une nouvelle révolution esthétique, elle peut aussi montrer le chemin vers une révolution sociale, politique.C’est à mon avis une très grande artiste contemporaine.
Monique Menager
Biographie
Laurie Lipton est une artiste américaine née en 1953 a New-York Elle vit à Londres depuis 1986. Elle est connue pour ses dessins sombres et son travail de dessin au crayon
Il a été la première personne à obtenir un baccalauréat ès arts en dessin de l’Université Carnegie-Mellon de Pennsylvanie (avec mention). L’artiste a vécu aux Pays-Bas, en Belgique, en Allemagne et en France et a établi sa maison à Londres depuis 1986. Son travail a été exposé en Europe et aux États-Unis et Lipton a été inspiré par les peintures religieuses de l’école flamande.
L’artiste a essayé d’apprendre du style des maîtres de l’art hollandais du 16ème siècle. Au cours de son voyage d’étude en Europe, il a commencé à développer sa propre technique de dessin particulière qui rehausse le ton avec quelques milliers de lignes d’ombrage, en utilisant de la tempera. C’est une façon insensée de dessiner, dit-elle, mais le détail et la légèreté valent la peine.
« Je savais ce que je voulais: je voulais créer quelque chose que personne n’avait jamais vu auparavant, quelque chose qui était caché au plus profond de moi. J’avais l’habitude de m’asseoir pendant des heures à la bibliothèque et de copier Dürer, Memling, Van Eyck, Goya et Rembrandt. La photographe, Diane Arbus, était une autre de mes inspirations. Son utilisation du noir et blanc a frappé mon cœur. Le noir et blanc est la couleur des vieilles photographies et des vieilles émissions de télévision … c’est la couleur des fantômes, je souhaite,le temps qui passe, la mémoire et la folie. Blessure en noir et blanc. Je l’ai trouvé parfait pour mes images de travail. »
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